Lembro muito bem do lançamento do filme. Foi na virada do milênio, na real e não na fictícia comemorada um ano antes. Isso por aquilo de que o ano zero nunca existiu, e o milênio virou no final de 2000. Um aluno –hoje médico e colaborador nas empreitadas educacionais, que muito tem de aventura e de sonho- comentou-me: “precisamos ver esse filme, todos juntos”. Á minha cara de interrogação, seguiu-se a explicação imediata: “Sim, é para que as pessoas aprendam como se carrega uma bandeira”. Confesso que fui assistir ao filme com esse comentário girando na minha cabeça e querendo descobrir o que seria esse “carregar a bandeira”.
São quase três horas de aventuras bélicas, dúvidas e decisões, batalhas e gritos rasgados de independência que se misturam com o sangue, as tragédias familiares, os apelos ao heroísmo, enfim, um verdadeiro épico, como os de antigamente. “Onde está a bandeira, a que temos que aprender a carregar?” – perguntava-me eu enquanto desfrutava do filme.
(Gladiator) Diretor: Ridley Scott. Russell Crowe, Joaquin Phenix. Richard Harris. 154 min. USA 2000.
Os líderes que nos chegavam fantasiados de heróis épicos tinham na força física, e na coragem, seus principais atributos. Quando vinham vestidos de soldados Romanos, ou de cavaleiros medievais, ou mesmo de guerreiros bárbaros ou corsários, o comando do líder era inseparável da valentia, da habilidade no combate, e até do desprezo pela própria vida, aliado ao amor incondicional pela dama dos seus pensamentos.
Os tempos mudam e com eles as necessidades das pessoas, a sensibilidade da sociedade. Hoje, o carisma do líder, para se firmar como tal, requer novas habilidades que possam despertar nos seus seguidores atitudes acordes com o mundo globalizado, inquieto e impaciente que nos cerca. A reflexão é talvez uma das características mais necessárias no líder moderno. Reflexão no próprio terreno, capacidade de decisão, clareza de objetivos; e, como consequência, o poder de provocar a reflexão naqueles que lidera.
The Truman Show. Diretor: Peter Weir. Jim Carrey, Ed Harris, Laura Linney, Noah Emmerich, Natasha McElhone. 110 min. 1998 USA.
Truman é uma criatura do seu tempo, ou melhor, do nosso tempo, pois somos nós os que a criamos. Desde o seu nascimento, sem lhe pedir licença, já é parte de um projeto. Uma vida sem nenhum direito à intimidade, onde o que conta é o sistema e o circo que é montado para albergar o cotidiano de Truman que nem desconfia ser o ator principal desse grande teatro. Transmitido sem interrupção, 24 horas no ar, para os 5 continentes, onde as pessoas estão pendentes da vida de Truman, muito mais do que da própria. Até parece que a própria vida careceria de sentido se não tivesse o simpático Truman na TV –que em rotina encantadora cumprimenta o mundo, pensando apenas cumprimentar o seu vizinho. Bom dia, boa tarde e, caso não veja vocês, boa noite.
Peter Weir, diretor australiano, tem gosto e sabe tratar, os temas que atingem a pessoa e a enfrentam com um sistema que abdica da liberdade. Enaltece o homem que não abre mão do seu compromisso vital, e que consegue extrair do seu interior riquezas que nem mesmo ele sabia possuir. Baste lembrar a Sociedade dos Poetas Mortos, A Testemunha, Gallipoli e O Mestre dos Mares
O Show de Truman é um ensaio sobre as possibilidades da liberdade humana. O bom Truman, inofensivo e dócil, marionete do sistema que rende milhões em publicidade e recorde de audiência decide, de repente, exercer a sua liberdade, ser “espontâneo”. Uma atitude que não tinha sido prevista pelos criadores do show, pelo megalomaníaco controlador do sistema. Truman suspeita que algo não anda bem nesse mundo de faz de conta onde nada acontece. Entenda-se, nada ruim, já que tudo é previsto, organizado, contratado, projetado. Quando o ser humano não enfrenta dificuldades desconfia que esteja sonhando. É como aquele velho ditado: “se depois dos 50 anos, acordas de manhã e não doe nada, provavelmente estás morto”. As dificuldades e, sobretudo, os atritos no trato com os nossos semelhantes, que pulem as arestas do temperamento, são coisas de ordinária administração. E nessas dificuldades e desafios é onde a pessoa cresce e se constrói realmente. Uma vida que visa apenas evitar dificuldades é irreal, torna-se aborrecida.
(Babette’s feast) Diretor: Gabriel Axel. Stephane Audren, Brigitte Federspiel, Bodil Kjer, Jalr Kulle. Dinamarca 1987. 102 min
Extrair poesia dos aspectos prosaicos da vida requer imaginação, em primeiro lugar. Depois, um olhar penetrante que não resvale no superficial; sensibilidade para captar os detalhes e o lirismo que se esconde atrás do corriqueiro; talento expressivo para transmiti-lo de modo atraente. E, em todo momento, medida e ponderação para não carregar as tintas ou tornar-se repetitivo, mantendo, do começo ao fim, a beleza e o bom gosto.
Se o prosaico é um banquete, e o modo poético de mostrá-lo é o cinema, a tarefa não é fácil. Gabriel Axel, diretor dinamarquês, aceita o desafio e supera a prova com louvor. A festa de Babette é uma obra de arte, um primor cinematográfico que destila poesia em cada fotograma.
É claro que não são os l00 minutos de duração do filme, prosa poética em torno a um banquete. Mas os prólogos e preparativos, o entorno histórico gira em volta da “festa”, atingindo no momento da comida -isso mesmo, comida e muita- o ápice da produção. É um condensado de valores, com uma delicadeza e sobriedade pouco comum no cinema de hoje e na arte em geral.
(Instinct) Diretor: Jon Turteltaub. Anthony Hopkins. Cuba Gooding Jr., Donald Sutherland. 123 min.
Não é fácil lutar contra o sistema, lutar sempre, ao longo de toda a vida. Opor-se de modo esporádico, protestar sazonalmente, é algo que muitos fazem. Geralmente dura pouco, não é uma oposição consistente. Perseverar em opinião contrária ao sistema, de modo sereno, trocando os gritos espasmódicos pelo labor eficaz, em atitude positiva, construindo uma realidade diferente daquela que se critica, é atributo de poucos. Talvez o mais importante seja saber o porquê do contraste, explicitar os motivos reais que nos levam a agir de modo diferente aos outros. Atuar em divergência com o sistema, sem saber por que, é irracional, e não perdura.
Não há como deixar de lado uma história já comentada, a do telefone do filósofo inglês. Tinha esse filósofo uma curiosa gravação que atendia os chamados telefônicos quando ausente. A secretária eletrônica –answering machine, em inglês, textualmente “máquina de responder”- dizia : “Isto não é uma máquina de responder; é uma máquina de fazer perguntas –questioning machine. Quem é você e o que quer da vida?” Diante da surpresa, o perplexo interlocutor ouvia alguns segundos depois prosseguir a gravação: “Não se assuste. A maioria das pessoas vêm a este mundo e vão embora, sem ter respondido estas duas simples questões”. Saber quem somos e o que queremos é condição sine qua non para atuar de modo consciente, responsável e, quando necessário, situar-se em oposição ativa e racional a um sistema.
(The Doctor). Diretor: Rainda Haines. William Hurt, Christine Lahti, Elizabeth Perkins. USA 1991. 123 min.
Os filmes de médicos sempre tiveram seu espaço no cinema e, em termos gerais, uma aceitação razoável da crítica. Talvez por trazer à tona uma situação na qual, antes ou depois, todos nós -humanos e mortais- estaremos envolvidos. Ninguém foge à doença e, via de regra, acaba caindo nas mãos de um médico. A solidariedade de qualquer ser humano com semelhantes circunstâncias explica a fácil sintonia do espectador com a temática do “filme-médico”, ou do “filme-hospital”.
A dimensão humana do médico costuma ser nota comum deste filmes, desde sempre. Já no ano l939, era levado ao cinema o conhecidíssimo romance de A.J. Cronin, A Cidadela, um protótipo de gênero. No fundo, falar do médico como homem, é falar do paciente como pessoa. Eis a mensagem que vai implícita, e de importância singular. O doente é muito mais do que uma patologia ou um diagnóstico: é um ser humano que padece. Como tal, espera encontrar no médico muito mais do que competência científica. Espera compreensão, afeto, consolo e ânimo para defrontar-se com a moléstia que o acomete.
Quem sabe os filmes de médicos têm audiência porque todos gostamos de ver retratados neles o médico ideal, o médico que gostaríamos de ter quando, porventura, assumamos a condição de paciente. Destacar as virtudes que deve possuir, diminuir os defeitos, que sempre denunciam a despersonalização da medicina mais do que simples imperícia, é o que todos almejamos.
PATCH ADAMS – O AMOR É CONTAGIOSO(Patch Adams) Diretor: Tom Shadyac. Robin Williams, Daniel Londosn, Monica Potter. USA 1998. 115 min
Vivemos num mundo de paradoxos, de contrastes. Na verdade sempre foi assim. É o tributo necessário que paga a liberdade humana e que rende seus dividendos em forma de heroísmos ou mesquinharias, traições ou fidelidades. Depende, claro está, do uso que cada um faz desse potencial que é o livre arbítrio. A novidade está em que o homem deste fim de século perdeu a capacidade de admiração, acostumou-se a viver entre paradoxos sem perguntar-se os motivos de por que perante o mesmo estímulo desafiador as respostas são tão variadas e antagônicas. E não apenas as respostas, mas as simples opiniões, os gostos corriqueiros, contrariam-se em oposição formal. Contraste pacífico, isso sim, pois não é do nosso estilo as batalhas ideológicas, e tudo o que possa cheirar a fundamentalismo. Afinal -poder-se-ia pensar- os gostos variam, nada mais natural. E fica por isso mesmo. São poucos os que se questionam sobre o porquê da variedade, numa atitude essencialmente filosófica. E para essa minoria, a pergunta vital pode descortinar um panorama imenso.
As críticas não receberam “Patch-Adams” com bons olhos. São os entendidos em cinema, os comentaristas oficiais de tudo o que é produzido no campo da sétima arte, que pontualmente entregam suas apreciações profissionais para revistas de divulgação, jornais, e parafernália de opinião. Exagerado, grosseiro, desproporcional, e outros epítetos vinham desqualificar o filme que, na opinião dos sisudos críticos, chegava a tornar-se tedioso. “Robin Williams já esgotou suas possibilidades no papel de médico. Um chato de branco”.
Sempre tive queda -uma espécie de carinho a priori– pelos filmes que a crítica se empenha em desqualificar. Não por aqueles que ignora, mas pelos que faz questão de destruir. Se o produto é ruim, não vale a pena gastar tinta denegrindo-o; ele mesmo se afunda. Quando se empregam páginas inteiras para dizer que é ruim, talvez seja porque simplesmente incomoda. Ou incomoda a reação do público que, contra todo prognóstico, elogia um filme que na opinião dos entendidos não passa de medíocre. Neste clima de expectativa, a curiosidade aumenta quando, no meio médico, principalmente entre os estudantes de medicina -que a muito custo conservam o ideal que lhes arrastou até a profissão mais polêmica do momento- comprova-se que o filme é recebido com entusiasmo. Está armado mais um paradoxo. Impõe-se parar, pensar, e, naturalmente assistir ao filme.
(La leggenda del pianista sullóceano -The legend of 1900).Diretor: Giuseppe Tornatore. Tim Roth, Pruitt Taylor Vince, Melanie Thierry. 116 min
Uma lenda, ou uma história. Em qualquer caso um filme original. 1900 é o nome do protagonista que nasceu nesse ano num navio, e nele ficou pelo resto da sua vida. Toca piano, compõe, movimenta-se com classe no cenário, possui conversas animadas e com substância, tem sentido de realidade. Mas, sempre, no navio. Sair dele é enfrentar-se com o desconhecido, tirar os pés do chão, e partir para uma aventura que não conhece e onde possivelmente não se sairá bem. Outros, sim, devem fazer isso, e o navio é apenas um meio de transporte ou de lazer. Para 1900, o navio é a sua vida, e lá, nesse reduzido espaço, tem de tornar ela útil, fazer da sua existência uma contribuição real para melhorar o mundo à sua volta.
O sentido de realismo é perfeitamente compatível com os sonhos, e com os desafios. Sobrevém uma tempestade e o nosso protagonista encontra-se, como quase sempre, tocando piano. Um salão de festas, vazio, escuro, porque os passageiros retiraram-se, cada um na sua cabine, em luta individual contra a indisposição, enquanto a tripulação se debate com as ondas gigantes.
(Scent of a woman). Diretor: Martin Brest. Al Pacino, Chris O’Donnell. USA 1992. 156 min.
“Não presto para nada. Estou podre”. Eis a afirmação mais sincera do velho coronel Frank Slade, que destila do seu cinismo habitual. Um militar reformado, cego como resultado de uma imprudente brincadeira durante práticas bélicas, é o ponto de partida do filme. Um homem revoltado consigo mesmo e, por tabela, com Deus e todo o mundo. Cético quanto à moral e princípios, descrente da vida e do ser humano. Não são, neste contexto, de estranhar os diálogos que emprega, grosseiros e, com frequência molestos. É o fel que Frank, que perdeu o respeito por si mesmo, vomita nos seus semelhantes. Um homem simplesmente intratável.
Por que o perfume? É sabido ser o olfato o sentido que mais aviva a memória, envolvendo em odores as vivências de lembranças marcantes. Frank aposta no olfato, agarra-se a ele na procura de lembranças melhores. E no seu íntimo, a busca de um perfume permanente, aquele que ainda está do seu lado quando acorda de manhã. O desejo de estabilidade; no fundo, uma petição de afeto e compreensão.
Cinismo, casmurrice, sensualidade, revolta, desprezo pela humanidade. Eis o universo de Frank Slade, que não é nenhum modelo de virtudes. Na peça em bruto pouco podemos extrair de valor. Mas, na vida, os valores nem sempre vem dados por arquétipos estáveis, reunidos num compêndio de virtudes de fato. É na superação dos defeitos, na capacidade de mudar, onde se encerram estes tesouros. Na ginástica persistente que o homem deve praticar para ir domando o seu temperamento vai surgindo o diamante polido, lapidado, valioso. Daí destilam valores, dessa luta; e decanta o maior de todos: a esperança, saber que é possível mudar.
O coração humano encerra riquezas que, como o petróleo, é preciso ir fundo para extraí-las. A podridão externa representa, em não poucos casos, as necessárias camadas de decomposição que albergam no fundo o ouro negro. O filme é um “mano a mano” nessa ginástica de superar-se, de ir perfurando até sondar o que de valioso se encerra nas entranhas. E tudo na base de um crescimento na confiança, na amizade sincera, na doação desinteressada que quebra as crostas opacas e permite entrar a luz do sentido da vida, a redescoberta de que vale a pena continuar a viver. Amizade, doação, confiança: estas são as brocas eficazes que perfuram aparências e atingem o âmago do homem, do desesperado Frank.
E aí, sim, surge o petróleo em forma de sabedoria, porque Frank é um homem sábio…. que estava enferrujado. Quando a pauta é ajudar os outros, se transforma e resgata o pulso da vida, aquela que não fazia sentido. Cenas antológicas, com diálogos magníficos. A garota tímida a quem ensina a dançar tango: “não tenha medo de errar; o tango não é como a vida. Se você erra, você continua dançando”. O discurso final em defesa de Charlie: “Vocês não sabem o que é um líder…Não existem próteses para quem tem o espírito amputado”. E por ai afora.
Perfume de mulher é a história de uma amizade crescente, redentora, que extrai do jovem companheiro de Frank heroísmos que o protagonista não suspeitava possuir. É o benefício mútuo que a amizade traz consigo.
Um filme de corte atual para falar de valores de sempre. Uma injeção de ânimo para que não deixemos de acreditar que as pessoas mudam e que ninguém se encontra definitivamente mergulhado na maldade. Um apelo para calibrar os padrões -frequentemente superficiais- da amizade verdadeira. Filme contido na forma, desbocado nos diálogos, e magnificamente interpretado por Al Pacino -polariza a produção inteira, cada cena- que vai descobrindo que, além de dançar tango maravilhosamente e de dirigir uma Ferrari como ninguém, existem muitos outros motivos para viver.
Parker J. Palmer. “The Courage to Teach”.Jossey-Bass. S.Francisco. 1998. 200 pgs.
Eis um livro essencial para todos os que se aventuram a ensinar. Um livro para professores que querem se comprometer com algo que é uma missão, uma vocação, não um trabalho. O autor é claramente um outsider – não deve ser fácil integrá-lo às estruturas rígidas das instituições de ensino – que se dedica à formação de professores e a escrever. Este livro é mais do que uma coleção de conselhos e facilmente se demonstra: são experiências vividas e sobre as quais muito se refletiu. São 200 páginas de sabedoria, para ler em “câmara lenta”, observando na margem as ideias que surgem – com certeza virão! – relativas ao nosso mundo e que as considerações do autor despertam.
Embora o livro não tenha desperdiço, se alguns capítulos precisassem ser destacados, eu o faria com 4 deles:
A Introdução e o Primeiro capítulo (O Coração de um Professor), colocam a questão crucial no início para que ninguém se deixe enganar pelo livro, pensando que é mais um aventura de autoajuda. O autor comenta que os professores muitas vezes se perguntam o que ensinar (o conteúdo da disciplina). Todos eles fazem isso: é uma condição de sobrevivência. Outros, muito menos, pensam no método: como ensinar? Outros, menos ainda, ousam pensar: e a quem devo ensinar isso? E quase ninguém faz a pergunta mais importante: no final, quem ensina? E conclui: Porque, gostemos ou não, ensinamos o que somos. Ensinar bem não se limita às técnicas, mas resulta da identidade e integridade do professor que ensina. A coragem de ensinar – título do livro – é ter o coração aberto para ir além do convencional. Em seguida, ele desenvolve o que seria identidade e integridade, e o que acontece quando o professor “perde o coração” (deixa de ensinar desde o fundo do seu coração).
O Segundo capítulo (Uma cultura do medo) nos coloca diante do desafio dos novos paradigmas educacionais. Os medos que nos ajudam a sobreviver e os que nos paralisam. O medo de perder a posição conquistada – de sair da zona de conforto – de se entregar à missão de ensinar. Sem novos paradigmas, que envolvam correr riscos, o diagnóstico dos alunos será medíocre e a ajuda do professor muito limitada. Aborda a questão de encontrar perguntas que você não sabe como responder e que o ameaçam. Na verdade, isso é educação: buscar juntos respostas que construam o conhecimento, do professor e do aluno. As responsabilidades que devem ser atribuídas ao aluno, pois ele tem de assumir as suas. Medo de perder popularidade. O medo determina o que aprendemos e o que ensinamos.
