OS  ÚLTIMOS PASSOS DE UM HOMEM (Dead Man Walking) Diretor: Tim Robbins. Susan Sarandon, Sean Penn, Robert Presky, Raymond T. Barry, Celis Western. USA 1995. 120 min.

Tim Robbins assume o comando na direção e coloca sua mulher -Susan Sarandon- no corredor da morte para conquistar o Oscar de melhor atriz. Susan, metamorfoseada em freira, quer ser o contraponto de esperança lá onde a palavra de ordem é uma só: “homem morto caminhando”. Tarefa difícil que não admite ação nem soluções espetaculares, pois o destino é iniludível. Não há, no filme, compromisso com cinema denuncia nem com posturas revisionistas; ou, se existem, são naturalmente deslocadas pelo volume da trama, que gravita em órbitas mais profundas. São cartas marcadas, descobertas, que abortam desde o início qualquer tentativa de virada aventureira. Sobra pouco espaço para agir. Apenas resta -eis o miolo da fita- trabalho de faxina, nos bastidores da alma.

            Por isso o prêmio de Susan é um reconhecimento de expressão mais do que interpretação. São sempre primeiros planos, e o mérito da atriz corre por conta da expressividade: olhos, boca, sorrisos, gestos quase imperceptíveis. A frio, sem trilha sonora, da qual somente se permite a entrada, a modo de intermezzo, fora do ápice do clímax.

            Um filme bom, denso, quase indigesto. Concentrado de valores, atitudes em estado puro, geografia da alma, agreste, selvagem. Um excelente filé sem guarnição, nu de acompanhamentos, que é preciso mastigar sozinho. Por isso não é um filme para qualquer público, nem para qualquer ocasião. Não é espetáculo para assistir num momento livre, de bate pronto. A indigestão pode ser fatal.  Mas é um filme superior. Susan compra o desafio e propõe-se arrancar o assassino das garras do pior verdugo: o ódio que inunda suas entranhas. E nestes resgates as armas são poucas e precisas: a doação, o amor. Toneladas de amor despejadas sobre o próximo, à custa de sangrar a própria alma até a exaustão. Esse é o único detergente eficaz, que penetra as crostas do orgulho -do próprio e do alheio- dissolvendo-as. 

(Guarding Tess) Dir: Hugh Wilson. Shirley MacLaine, Nicolas Cage.  USA 1994.  95 min

A psicologia feminina adquire um colorido peculiar quando entra na terceira idade. É como se, com os cabelos brancos, decantasse a experiência serena dos anos para dar relevo a traços que guardam um encanto especial. Surgem modos diferentes de dizer, de sonhar, de amar. Um amor que é o curioso resultado de uma mistura de sentimentos, algo assim como um resumo dos amores de uma mulher ao longo da sua vida.

            Um amor ingênuo e caprichoso, como quando criança; sonhador como o da adolescente; ciumento como se de uma noiva se tratasse; abnegado e silencioso, como o maternal; teimoso e autoritário, próprio das anciãs. Mas em qualquer caso, é um amor elegante, experiente, sereno. Um amor que pede tudo e se contenta com muito pouco: com um sorriso, com um pouco de atenção, mas, isso sim, na hora certa. Amor que exige exclusividade nas formas, mas é tolerante no coração, se satisfaz com um olhar carinhoso.

            A primeira dama e o guarda-costas aborda com acerto esta temática, de riqueza incomum, ancorada na interpretação magnífica de Shirley MacLaine, que é capaz de representar este acúmulo de sentimentos numa simples expressão facial, num olhar, num gesto da boca.

(Mary Shelley´s Frankenstein) 
Diretor: Kenneth Branagh. Kenneth Branagh, Helena Bonham Carter, Robert de Niro.1994. 123min.

O diálogo do monstro com o seu criador, no interior da caverna próxima ao Polo, é de uma atualidade enorme, nestes tempos onde se discute e se briga pela clonagem terapêutica, pelas células-tronco, pelo direito de viver, de morrer, de matar, de sobreviver. A atualidade não é tanto do conteúdo científico –que, naturalmente, evolui com os tempos e com as conquistas da técnica- mas do sentido que a ciência procura para orientar-se. Isso diz respeito ao que é possível fazer, e ao que se deve fazer de fato. A ética sobre a técnica, o norte que a guia, ou, em linguagem de hoje, a bioética por envolver as ciências da vida. A atualidade vem, afinal, de algo alheio à própria técnica, da filosofia –antropologia, por ser filosofia do homem- que é onde se podem encontrar as razões para aplicar, ou não, os progressos científicos. 

            No contexto que nos ocupa vem à memória uma carta que alguns anos atrás tivemos oportunidade de ler. Era de uma jovem universitária que tendo sido “fabricada” com fecundação artificial anônima, reivindicava o direito de conhecer o seu pai. O progresso técnico também faz crescer as reivindicações na mesma proporção e, recentemente, houve notícia de um adolescente que através de sites de pesquisa e de interligações na web, conseguiu doando seu material genético, atingir o doador anônimo de esperma a quem lhe deve a vida.

(Rob Roy) Diretor: Michael Caton-Jones. Liam Neeson, Jessica Lange, John Hurt, Tim Roth. USA-Escócia, 1995. 139 min

Escócia, século XVIII, é o ambiente para situar este filme, inspirado num romance de Walter Scott -arauto do romantismo inglês, um romantismo com sabor sempre medieval- que focaliza as lutas entre os nobres da corte e os clãs tradicionais da Escócia. Uma variante tardia de feudalismo, já que na verdade o filme é histórico, até épico poderíamos chamá-lo a não ser pela ausência dos milhares de figurantes, ingrediente necessário nessas superproduções hollywoodianas dos anos 50 e 60.

         Rob Roy, é Robert McGregor, chefe do clã McGregor em luta contra os capangas -por sinal, capangas de peruca, finíssimos e perfumados, mas verdadeiramente malvados- que lhe roubaram seu dinheiro, e tratam seu povo de modo arbitrário. Rob Roy é todo ele um canto à honra, uma versão escocesa, com saia incluída, de “El Cid”. Seu maior argumento de credibilidade, suas credenciais são, nem mais nem menos, a “palavra de cavalheiro”. A honra, que “é um presente que o homem se dá a si mesmo”, seu ideal de vida, correndo parelho com os satélites necessários do cavalheiro: a fidelidade, a verdade, o amor incondicional à mulher que adora.

A FRATERNIDADE É VERMELHA. (Rouge) Diretor: Krzystof Kieslowski. Irene Jacob, Jean-Louis Trintiognant, Jean Pierre Lorit. Fran/Pol/Suíça 1994. 99 min

Este é um dos filmes da trilogia que Kieslowski dedica à bandeira tricolor francesa em sugestiva associação com a máxima da revolução. Em opinião da crítica, supera os outros dois -”a liberdade é azul”, “a igualdade é branca”- embora estas comparações são sempre delicadas, mais ainda tratando-se de um cinema de autor, muito pessoal.

            O cinema europeu é, por vezes, uma realidade difícil de assimilar para a nossa sensibilidade latina, tão feita à sintonia hollywoodiana. Falar de filmes europeus suscita no público certo receio de cinema hermético, histórias contadas pela metade, filmes que não acabam… e por aí afora. Na verdade, o assunto seria mais simples se a nossa postura fosse outra: não se trata tanto de compreender o filme como de vê-lo, observando-o, sentindo-o. Querer espremer todo o significado, perder-se em interpretações -gosto mórbido dos críticos e do público com esnobismos intelectuais- é transformar o filme em problema, em vez de desfrutar sem compromisso daquilo que é: uma manifestação artística. Afinal um filme não é uma equação matemática com soluções múltiplas. As coisas se simplificam quando vemos o filme, gostamos -ou não gostamos- permanecemos no plano intuitivo, sem nos preocupar com justificativas ou explicações.